怎麼寫舞臺劇本

舞臺劇應該說是人類創作最早的表演方式；在沒有電影以前，特別是在中國，人類大眾的娛樂活動，應說是以各種街頭，場院，搭一個臺子，來表演一些人間的喜、怒、哀、樂生活情景。

表演形式，有說、唱、逗、笑。這是中國最早的娛樂藝術。

隨著時代的發展而成為現代的戲曲、話劇、歌舞、小品等等表現形式。開始的臺詞為即興創作，發展到現在，就細化到劇本、導演、表演等等。

但是千變萬變，有一點是不會變的，即：它的行為目的是尋求與受眾的互動，受眾的喜愛和認可。而且，在創作上，還會因為劇種的不同，而要求劇本創作的形式不同。

因此，在劇本的創作上，舞臺劇也與動漫劇本有明顯的不同。 1.臺詞的不同 舞臺劇本的臺詞，是根據劇種的特殊要求而創作的，比如說：戲曲；它的臺詞帶有明顯的各劇種唱腔的韻、味、音要求。

話劇則有語言的朗、誦、吟、表演要求等等。而動漫劇本臺詞與舞臺劇本臺詞相比較，有很大的區別。

動漫劇本的臺詞要求則誇張、幽默、諷刺、搞笑等外，還要求臺詞體現現代“動漫”感和流行感。 2.音響的不同 音、響在舞臺劇本和動漫劇本創作中，均有一些相對的創作要求。

舞臺劇本的音響效果體現的是同其他聲，即當演員在舞臺表演時的音響的現實感。動漫劇本創作中的音響創作要求，主要體現在後期製作的配音上，它與同期聲相比較，則有更大的創作空間。

而且，就音樂的原創性和創新空間來說，動漫劇的創新空間要大得多。它可以根據畫面的不同，給受眾以更強，更大的振撼感。

3.表現手法的不同 舞臺劇是靠人來表演的，動漫劇是靠畫面表演的。同樣是靠人來表演，舞臺劇表演的形式和影視劇也有很大的區別。

舞臺劇表現動作的誇張，還是侷限於人的表現能力範圍內，而動漫畫面的表現動作的誇張，則是無限的。 因此，就表現手法來說，動漫劇的表現手法，比其它同類產品的表現手法和空間，則無限和有趣得多，這也就是動漫片最能吸引受眾的主要原因之一。

4.表演和製作效果的不同 舞臺劇是表演現場效果，動漫片是製作畫面效果。兩者不可同日而語。

與影視劇相比，雖說都是人來表演，但是，就表演難度而言，最有難度的是舞臺劇的表演。因是現場表演效果，舞臺劇的表演因沒有後期製作，所以，舞臺劇的表演技巧要求，比影視和動畫劇的表演要求，高得多。

5.市場的不同 舞臺劇的演出市場和影視，動漫片發行的市場也有明顯的區別。舞臺劇因場地，受眾人數的不同，因而它的市場行銷模式也就不同。

而影視，動漫片是通過製作，發行的。因此，它不受市場場地和受眾人數的影響。

因此，影視，動漫片的市場比舞臺劇的演出市場操作空間要大得多。

第一行寫劇本名稱，另起一行在名稱的右下角寫上編劇是誰，導演是誰。再另起一行寫角色分析。寫完角色分析就可以進入正題了，舞臺提示要用【 標記，只用標記一邊。如：

一把椅子

編劇 周立

導演 周立

序幕

【上場門口一把椅子，張三坐在椅子上，張三一個定點光。

張三 我覺得人世間並沒什麼所謂的愛情

【李四，下場門上場。全場面光起

李四 你有一個人瞎說什麼呢？

張三 哎呦！人老咯，話也多了

【李四掏出了槍，打死了張三，然後自殺了。

全劇終

話劇劇本怎麼寫？

首先，和其他的劇本一樣，必須要有一個完整的故事，或者是一個比較清晰的思路。

然後在心中一定要明白，其實話劇作品就是用描寫舞臺上的動作及演員的對話為主要表現方式的一個作品，所以，寫作的東西一定要圍繞著舞臺的活動為主，以對話為主。

然後話劇作品一般有兩種寫法，一種是按照幕為單位，一種是按照場為單位。這兩種劃分就看你的作品是以篇幅還是以段落了，如果是篇幅大的，那就是幕，如果是小段落的，那就是場。

最後有一點極為重要，寫戲劇其實就是寫矛盾衝突，需要把矛盾衝突表現的非常大！這樣你的作品才有吸引力。

劇本是一種文學形式，是戲劇藝術創作的文字基礎，編導與演員根據劇本進行演出。與劇本類似的詞彙還包括指令碼、劇作等等。它以代言體方式為主，表現故事情節的文學樣式.它是戲劇演出的文學依據，是導演和演員二次創作的出發點.在文學領域裡，它是一種獨特的文體；在藝術領域裡，它又接近文學；在戲劇領域裡，它是一切戲劇活動的根本出發點.

劇本主要由劇中人物的對話、獨白、旁白和舞臺指示組成。對話、獨白、旁白都採用代言體，在戲曲、歌劇中則常用唱詞來表現。劇本中的舞臺指示是以劇作者的口氣來寫的敘述性的文字說明，包括對劇情發生的時間、地點的交代，對劇中人物的形象特徵、形體動作及內心活動的描述，對場景、氣氛的說明，以及對佈景、燈光、音響效果等方面的要求。 在戲劇發展史上，劇本的出現，大致在戲劇正式形成併成熟之際。古希臘悲劇從原始的酒神祭禮發展為一種完整的表演藝術，就是以一批悲劇劇本的出現為根本標誌的；中國的宋元戲文和雜劇劇本，是中國戲劇成熟的最確實的證據；印度和日本古典戲劇的成熟，也是以一批傳世的劇本來標明的。但是，也有一些比較成熟的戲劇形態是沒有劇本的，例如古代希臘、羅馬的某些滑稽劇，義大利的初期即興喜劇，日本歌舞伎中的一些口頭劇目，中國唐代的歌舞小戲和滑稽短劇，以及現代的啞劇等等。

劇本的寫作，最重要的是能夠被舞臺上搬演，戲劇文字不算是藝術的完成，只能說完成了一半，直到舞臺演出之後（即“演出文字”）才是最終藝術的呈現。歷代文人中，也有人創作過不適合舞臺演出，甚至根本不能演出的劇本。這類的戲劇文字則稱為案頭戲（也叫書齋劇）。比較著名的如王爾德的《莎樂美》等。而好的劇本，能夠具備適合閱讀，也可能創造傑出舞臺表演的雙重價值。

一部可以在舞臺上搬演的劇本原著，還是需要在每一次不同舞臺、不同表演者的需求下，做適度的修改，以符合實際的需要，因此，舞臺工作者會修改出一份不同於原著，有著詳細註記、標出在劇本中某個段落應該如何演出的工作用的劇本，這樣的劇本叫做“提詞簿”或“演出本”、“臺本” （promptbook）。此外，劇本是完整的演出指令碼，有另外一種簡單的舞臺演出指令碼只有簡短的劇情大綱，實際的對白與演出，多靠演員在場上臨場發揮，而這一種指令碼則稱為是“幕表”。

劇本的創作者

劇本的創作者叫做編劇，或尊稱為劇作家。

劇本的內容

劇本主要由人物對話（或唱詞）和舞臺提示組成。舞臺提示一般指出人物說話的語氣、說話時的動作，或人物上下場、指出場景或其它效果變換等。

一個典型的劇本例子如下：

公館一室內

王媽：（小心翼翼地）小姐，您還是得注意身子，就吃點東西吧。

趙小姐：（把碗砸在地上）不吃，我就是不吃。

（王媽下）

劇本的結構

一部較長的劇本，往往會由許多不同的段落所組成，而在不同種類的戲劇中，會使用不同的單位區分段落。在西方的戲劇中，普遍使用“幕”（Act）作為大的單位，在“幕”之下再區分成許多小的“景”（scene）。中國的元雜劇以“折”為單位，南戲則是以“出”為單位，代表的是演員的出入場順序，而在明代文人的創造後，將“出”改為較為複雜的“出”。

劇本的結構一般可分為“開端、發展、轉折、高潮、再高潮結局”。 當然根據編劇技巧的不同，結構還會變化。如“佳構劇”。

劇本的分類

按照應用範圍，可分為： 話劇劇本，電影劇本，電視劇劇本等。

按劇本題材，又可分為 喜劇、悲劇、歷史劇、家庭倫理劇、驚悚劇等等。

還有一種劇本主要追求文學性，不以演出為目的，或者不適合演出，動作性不夠.被成為"案頭劇""書齋劇".歐洲19世紀的許多浪漫主義詩人和作家創作過很多這種戲劇形式的詩歌，但只能提供閱讀，不適合上演.

所以在戲劇創作中，劇作家要懂得舞臺和表演，應該在劇本的創作中處理好劇本的文學性和舞臺性.因為戲劇演出才是最終目的.沒有演出和觀眾的戲劇談不上是戲劇

【旁白】過去，我們湮沒在節奏日益加快的生活，沉浮於名利；我們墜身在如山的書海中苦讀，追逐於排名。

有多久沒緩下過匆匆的步伐，感受身邊那斑斕多姿。在漲落的潮溪中任其漂泊..，漸行漸遠……忘卻了最初的夢，往昔純樸的憧憬已不再。

新年伊始，我們一起來尋覓曾經，那些最初的夢。報幕員舉牌報幕【第一幕】【旁白】馬欄山、馬欄鄉、馬欄坡的馬欄鎮裡有一戶人家，男主人早早死了，只留下他與前妻所生的女兒灰姑娘，他的後妻以及他與後妻所生的兩個女兒。

後母和兩個姐姐美若天仙，可灰姑娘卻相貌平庸。中國劇本網，裡面有很多劇本！這個是地址， /_____。

教你如何寫劇本 劇本寫作基礎：劇本的格式 首先明確一點，劇本區別於任何一種文體形式，我經常看到有的朋友把劇本寫成了小說或人物傳記，這是不對的，至少是不專業的。

劇本有自己專署的格式，寫劇本從某種程度上說是個技術活。 寫劇本也不是什麼很崇高的藝術創作，這只是一個普通的工種，劇作家和清潔工人沒什麼區別，都是很普通的工作而已，所以每個人都可以寫劇本，每個人都可以當導演。

當然，既然是一個工種，就有自己的規範。這些規範也許不會讓你迅速變成一個專家，但至少能使你看上去像一個專家。

或者，不至於讓你糟糕的格式成為審稿人槍斃你稿子的理由。因為一個審稿人每天要看三到四篇稿子，如果你的劇本格式看上去不怎麼專業的話，他完全有理由翻上幾頁就把你的劇本扔在角落裡涼快。

先來看看劇本寫作常犯的錯誤： 1：把劇本寫成了小說 剛剛上面提到有的朋友把劇本寫成了小說，不是不可以，但那個是文學劇本，根本不能用來指導拍攝和製作。舉個例子，你可以在小說裡花幾頁的筆墨來寫一個人的身世，背景，家庭組成，或是用幾頁的筆墨來描寫主角的心理鬥爭過程，但這些東西是無法表現在電影螢幕上的。

你的劇本就是一個螢幕，你所要表現的是電影螢幕上能被觀眾直接看到感受到的東西。像心理活動這類東西是無法很好的表現出來的。

加旁白？當然可以，除非你能忍受主角的畫外音在一動不動的鏡頭裡讀幾頁小說。電影*畫面表達情緒，你的劇本就是電影畫面，要通過攝像機的角度來寫，這可能引起第二個問題。

2：不必要的攝象機標註 如果你這樣寫劇本：在5號升降臺，用盤納為升70型相機，60mm鏡頭，由8.5m搖至2m對焦…………如果你這樣寫，就算過了審稿人這一關，你的劇本也會被導演扔掉。你不需要教他怎麼拍，這不是你的事。

你在寫劇本的時候完全不用擔心相機的事。但是不是劇本就不要考慮相機了呢？也不是，你需要考慮相機的關係而不是位置。

劇本里有自己的專用相機術語，多多使用這些術語，能讓你的劇本很專業，至少看上去很專業。 1.Angle on 角度對準：比如BILL走出便利店，相機對準BILL。

2.Favoring 主要表現：BILL在一個大廣場，人很多，但主要表現BILL。 3.Another angle 另一個角度：換個角度的相機表現BILL在大廣場玩的很開心。

4.Wilder angle 更寬的角度：先表現BILL在廣場的一角喝可樂，然後鏡頭拉遠，表現BILL所在的廣場。 5.New angle 新角度：換個角度表現BILL喝可樂，使鏡頭豐富。

6.POV 視點：從BILL的視點看東西。就是第一人稱視角。

7.Reverse angle 反拍角度：BILL和SALLY在一起跳舞，先拍BILL看到的SALLY，再拍SALLY看到的BILL，通常是兩人的POV互反。 8.Over shoulder angle 過肩鏡頭：相機越過BILL的肩頭看到SALLY,BILL的肩頭能把畫面自然的分割，很常用的型別。

9.Moving shot 運動鏡頭：包括跟拍，搖移，追隨等等，反正鏡頭是運動的，至於具體怎麼動，還不是現在考慮的問題。 10.Two shot 雙人鏡頭：BILL和SALLY在邊喝可樂邊交談，這種鏡頭的相機不要隨意移動，防止“越軸”。

把BILL和SALLY兩人連起來有一條軸線，相機只能在軸線一側運動，如果越過這條軸線，在畫面上BILL和SALLY的位置就會左右互換，引起觀眾視覺上的邏輯混淆。 11.Close shot 近景：強調SALLY美麗的眼睛，但一般少用為妙。

12.Insert 插入鏡頭：某物的近景，比如天色已晚，SALLY問BILL幾點了，BILL抬起手來，接下來可以接一個BILL手錶的特寫，當然你還可以用此種鏡頭來換景，比如BILL移開手錶時攝象機裡看到的已經是夜晚的舞會了。

關鍵的是看你是什麼主題的劇本主要是明白你要表達出一個什麼樣子的劇情如果你想按照原著來的話，那麼就可以擷取原著中一段不是很花時間並且完整的劇情。

之後就是排練的事情了，但是這裡要注意。就是如果想在劇本里面出現臺詞的話，切忌，千萬不要用日文或者英文，這裡這事考慮到觀眾們不會各個都聽得懂日文或者英文。

不過錄制臺詞的時候一定要注意情緒哦。至於原創的話，儘量不要太過EG太厲害，因為EG就意味著要有一些角色毀形象，如果自己不介意毀形象那沒所謂。

但是千萬不要讓角色毀形象毀的過頭，這樣會讓很多萌這個角色的觀眾佈滿於是就以上了，還有問題再提吧~~。